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‘La parola commercializzazione non può mai essere collegata alla musica’: la cantante folk Mame Khan

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cantante popolare La biografia di Mame Khan su Instagram lo descrive come la “Voce del Rajasthan”, e giustamente perché il celebre cantante ha portato avanti da solo l’eredità della sua famiglia — Musica popolare di Manganiyar. Con canzoni come Kesariya Balam, Doli Re Doli, Baware, Nakhralo, Chaudharye molti altri, il cantante, che ha una voce distintamente potente, ha un fandom e un repertorio senza pari.

Tuttavia, sebbene possa aver sperimentato la musica nel corso degli anni, rimane fedele al suo stile, il Rajasthan popolare, che secondo lui costituisce sempre la radice delle sue melodie. In un’interazione esclusiva con indianexpress.comil cantante di playback parla del suo viaggio, rinunciando al suo amore per il dholak per dedicarsi al canto, alla creazione di musica e perché il marketing e la musica non vanno di pari passo. Estratti modificati di seguito:

Sei uno dei nomi più conosciuti nel circuito della musica folk, come descrivi il tuo viaggio di tutti questi anni?

Appartengo a una famiglia di maestri cantanti che da oltre 15 generazioni eseguono una tradizione musicale orale unica. Devo la mia energia e le mie capacità vocali all’influenza di mio padre e tutore, il compianto Shri Rana Khan. La mia carriera musicale è iniziata in un piccolo villaggio quasi medievale chiamato Satto vicino a Jaisalmer, dove cantavo musica popolare Manganiyar. La città di Jaisalmer e i villaggi circostanti sono famosi per la loro ricca storia di re e poeti, e anche per essere un luogo in cui le tradizioni mistiche musulmane e indù si incontrano, oltre i confini. Lo stile speciale del Manganiyar musica folkchiamato Jangra, include un universo di canzoni per tutte le occasioni della vita, dalle tradizionali canzoni nuziali alle canzoni di benvenuto per un neonato e altre occasioni felici.

Ho anche cantato ed eseguito canzoni di poeti sufi del Sindh e del Rajasthan, tra cui Mira Bai, Kabir, Lal Shahbâz Qalandar, Bulleh Shah e Baba Ghulam Farid con slancio e gioia. Ho iniziato il mio viaggio specializzandomi nella musica popolare del Rajasthan e presto ho iniziato a guadagnarmi il rispetto tra i circuiti di musica popolare del Rajasthan. Oggi canto un ampio repertorio di canzoni tradizionali folk e sufi. Il mio viaggio musicale è un’ispirazione di suoni e musica dal deserto dorato del Thar.

Quanto è difficile portare avanti l’eredità della tua famiglia considerando la natura in continua evoluzione della musica?

Sono stato formato da mio padre Rana Khan che, per me, non è solo mio guru ma anche un’ispirazione che mi ha motivato a presentare la musica popolare del Rajasthan al mondo contemporaneo. Non considero una sfida o un onere portare avanti la nostra eredità, ma un’opportunità che mi è stata concessa per presentare e familiarizzare il mondo con i ricchi e musica popolare tradizionale. La mia famiglia è stata il mio pilastro di supporto durante il mio viaggio musicale e questo mi ha sicuramente aiutato a realizzare la mia visione di collegare gli ascoltatori alle radici del loro paese attraverso la musica.

Hai anche cantato in film di Bollywood e ti sei esibito in concerti all’estero. Come ti assicuri di mantenere intatta l’identità della tua musica, soddisfacendo anche il pubblico contemporaneo?

La cosa più degna di nota del nostro tipo di musica popolare del Rajasthan è che si presta facilmente alla fusione e può anche mescolarsi con qualsiasi cosa perché non abbiamo regole. Il mio album di debutto — Le sessioni nel deserto di Mame Khan (2015) — è una testimonianza di questa fusione in quanto presenta il sassofono accanto agli strumenti principali della mia comunità: il kamaicha a corde, il khartaal e il dholak. Ho sempre creduto che se padroneggi bene la tua arte, puoi collaborare con chiunque. Anch’io lavoro con musicisti jazz, artisti di flamenco spagnoli, zingari rumeni, cantanti lirici. Pertanto, mentre la mia musica utilizza forme di stile contemporaneo, l’origine è sempre stata il folk del Rajasthan che si identifica con me.

Hai detto spesso come il canto non sia stato il tuo primo amore. Ma sei felice di aver fatto il passaggio, seguendo il consiglio di tuo padre nel lontano 1999, in che modo?

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Il mio primo amore è stato suonare il dholak. Comprerei tutte le cassette di Zakir Hussain saab e replicare il suo lavoro sulla tabla o sul mio dholak. Ho suonato per la prima volta il dholak fuori dal Rajasthan all’età di 12 anni in occasione del Giorno dell’Indipendenza davanti a una folla che includeva il primo ministro Rajiv Gandhi. Nel 1999, dopo un tour di sette mesi a Bruxelles, sono tornato in India senza il mio prezioso dholak. Avevo pensato che sarei tornato nella capitale belga per recuperare lo strumento a percussione, ma la vita aveva scritto qualcos’altro per me. Ben presto, il consiglio di mio padre di passare al canto arrivò come una benedizione sotto mentite spoglie. Questa benedizione mi ha portato ad esibirmi in quasi 60 paesi e in luoghi prestigiosi come il Lincoln Center for the Performing Arts di New York City, il John F Kennedy Center for the Performing Arts di Washington DC e la Sydney Opera House.

La pandemia ha colpito l’industria musicale in modo enorme, ma ti sei assicurato di rimanere in contatto con il tuo pubblico attraverso concerti virtuali. Com’è stata l’esperienza?

Le misure di blocco non mi hanno impedito di entrare in contatto con la mia base di fan e con i miei ascoltatori. Il momento in cui il passaggio al digitale è diventato la nuova normalità, l’ho considerato una gioia in quanto mi ha fornito una piattaforma per rimanere in contatto con i miei ascoltatori. Credo fermamente che la casa sia dove si trova la mia borsa. Sono stato a Mumbai dal primo giorno del blocco, esibendomi per i miei fan, assicurandomi che non si sentissero giù di morale e restando a casa. Mentre il mio concerti in lineadove mi vedo spesso esibirmi solo con il mio harmonium, sono molto diversi dai miei eventi teatrali, hanno sicuramente aiutato a motivare i miei ascoltatori a uscire dalla pandemia, insieme, un passo alla volta.

Ci sono molte piattaforme che promuovono la musica popolare indiana. Credi che gli sia stato dato il dovuto riconoscimento?

Quando la gente mi diceva che la musica folk stava morendo, mi arrabbiavo; ed è allora che mi sono ripromesso che non avrei mai più lasciato che le persone lo dicessero, qualcosa che riflette anche il mio viaggio. Anche se sicuramente ritengo che tali piattaforme abbiano contribuito ad ampliare la portata del popolo indiano musica, c’è ancora molta strada da fare. Mentre le piattaforme servono come mezzo per rendere popolare la musica popolare, il pubblico e gli ascoltatori svolgono il ruolo di abilitatori che possono elevare la musica a un altro livello. L’India è sempre stata conosciuta per il suo ricco patrimonio e cultura e per la sua musica varia e stratificata. Pertanto, accolgo con favore e sostengo tutte le iniziative e le piattaforme che hanno l’obiettivo di mostrare al mondo la musica folk arricchita.

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La musica di Bollywood è molto diversa dalla musica di Manganiyaar: pensi che la prima renda giustizia alla seconda quando viene mescolata e fusa insieme?

La musica di Bollywood è nata e cresciuta in India, proprio come la musica folk. Come accennato in precedenza, la bellezza della musica Manganiyaar si fonde con tutti i generi. Ci siamo sempre identificati la musica per essere il linguaggio dell’amore e dell’espressione; quindi, ha bisogno di essere confezionato in un modo che esca dal cuore e tocchi il cuore degli ascoltatori. La formula del successo sta nel modo in cui uniamo le due forme e le presentiamo in un modo che risuoni con l’anima degli ascoltatori.

La musica è stata commercializzata in misura enorme. Questo ha influenzato in qualche modo la tua forma d’arte?

La parola “marketing” non può mai essere associata alla musica. Le persone interpretano la musica in infiniti modi in base alla loro connessione con la canzone/la nota. Il modo in cui la musica è accolta e amplificata oggi in tutti i settori ha sicuramente aiutato a costruire un riconoscimento di nicchia per la musica di Manganiyaar. Oggi le persone hanno familiarità con la musica Manganiyaar e la apprezzano. Pertanto, l’era in cui viviamo oggi ha solo aiutato cantanti e artisti come me per creare un’impressione che rimane impressa nella vita delle persone per anni.

Hai fatto parte della campagna Me For My City 4.0; quali qualità pensi che dovrebbe avere un buon cantante?

Me For My City 4.0 – Meri City Mera Music organizzata da Canara HSBC OBC Life Insurance è un’importante campagna e iniziativa che offre un’opportunità e una piattaforma ai giovani talenti del paese per mostrare la loro musica popolare. È stato un onore e un privilegio essere associati a un’iniziativa del genere e testimoniare i talenti popolari emergenti del paese. Come membro della giuria della campagna di due mesi, non ho avuto la possibilità di giudicare il loro potenziale e le loro conoscenze canore, ma anche di capire se erano in grado di entrare in contatto con me con l’accordo giusto. Tali campagne devono essere impegnate in modo proattivo in quanto ciò manterrà intatte e attive le nostre radici tradizionali. Crediamo che i primi 4 cantanti di ogni zona siano semplicemente fenomenali e se la loro musica è coltivata allo stesso modo raggiungeranno sicuramente vette più alte. È importante per loro capire che mentre cantare con il giusto set di abilità è importante, la musica che viene dal cuore si connette meglio con il pubblico.

Un compositore con cui desideri collaborare, e perché? E la tua canzone preferita di te stesso fino ad ora.

Una collaborazione da sogno che diventa realtà sarebbe per me lavorare con AR Rahman, signore. Sono un grande fan del suo lavoro e sarebbe davvero fantastico cantare una delle sue composizioni. Ho molte canzoni che mi stanno a cuore, ma una canzone è molto speciale per me, Sanu Ik Pal Catena Na Aave di Nusrat Fateh Ali Khan. Questa canzone è piena di molti cari ricordi per me, infatti la amo così tanto che ne ho creato la mia versione con un tocco del Rajasthan.

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